Rockstar Fotograf David Alexanders: Er machte die Plattencover für Eagles, Ringo Starr und Aretha Franklin

Im Verlauf seiner langen Karriere als Fotograf stand David Alexander im Zentrum der Popkultur. Er fotografierte Albumcover für Künstler wie The Eagles, Aretha Franklin und Tom Petty and the Heartbreakers und schuf ikonische Plakate für Filme wie „The Blues Brothers“ und „The Terminator“.

Doch für sein erstes Fotobuch richtete der 80-Jährige sein Objektiv auf etwas viel Alltäglicheres. In diesem Interview erzählt David Alexander von seiner außergewöhnlichen Reise, den inspirierenden Geschichten hinter seinen berühmtesten Aufnahmen und seiner neuesten Entdeckung der Schönheit im Gewöhnlichen.

Hier sind Davids Antworten auf unsere Fragen.

1. Was hat Sie dazu inspiriert, das Projekt zu starten, das schließlich zu Ihrem Debütbuch „Pictures of Time“ wurde?

Ich habe über 20 Jahre lang Plattencover und Filmplakate in LA fotografiert. Im Laufe dieser Arbeit begann ich, tiefere Lebenswahrheiten zu erkennen, die über die Grenzen der kommerziellen Arbeit hinausgingen. Ich wusste dann, dass meine Fotografie-Reise über die Welt der Unterhaltung hinausgehen würde.

2. Ihre Fotos haben Momente der Musikgeschichte verewigt. Wie fühlt es sich an, zu wissen, dass Ihre Arbeit Teil des kulturellen Gefüges geworden ist?

Das ist cool, aber nichts, worüber ich viel nachdenke, wenn überhaupt. Ich sah diese Arbeit immer als Aufträge, Probleme, die mit Fotos gelöst werden mussten. Wenn ein Auftrag beendet war, hoffte ich, mit dem Ergebnis zufrieden zu sein, besonders damit, wie die Bilder verwendet wurden, aber mein Fokus lag immer auf der nächsten Idee, dem nächsten Projekt. Das soll die coolen Arbeiten, die ich machen durfte, nicht schmälern. Ich war nur sehr darauf konzentriert, mich in meiner Arbeit weiterzuentwickeln, Ideen voranzutreiben, mit neuen Beleuchtungskonzepten zu experimentieren und etwas Neues, Anderes und Passendes für das nächste Projekt herauszufinden.

3. Können Sie einige Anekdoten oder denkwürdige Erlebnisse aus Ihrer Zeit, in der Sie Plattencover für Künstler wie die Eagles, Ringo Starr und Aretha Franklin fotografiert haben, teilen?

Es gibt so viele Geschichten. Hier sind einige:

  1. Die Eagles. Wir haben viel zusammengearbeitet. Das komplette Hotel California Albumcover wurde in LA fotografiert. Wir haben auch Bilder für die Öffentlichkeitsarbeit und das Hotel California Tourbuch in Florida gemacht, wo sie aufnahmen. Bei einer unserer Sessions in LA kam Glenn Frey sehr aufgeregt ins Studio. Er sagte, er sei am Vorabend in einem Club gewesen und habe einen älteren (Jazz? Blues?) Pianisten einen Akkord spielen hören, den er noch nie zuvor gehört hatte. Er ging zum Klavier in meinem Studio und spielte diesen unglaublich komplexen Akkord und sagte etwas wie „Ist das nicht cool?“ Ja, einen solchen Rock’n’Roll-Star so begeistert von Musik zu sehen, war mehr als cool.
  2. Ringo Starr. Um ein reich detailliertes Nahporträt für Ringos Rotogravure-Albumcover zu machen, habe ich eine 8×10-Kamera verwendet, etwas, das ich vorher oder nachher nie benutzt habe. Der Film in der Kamera war 8″x10″. Riesig. Besonders beim Fokussieren nah mit einer 8×10-Kamera muss man eine enorme Menge an Licht einpumpen, um eine funktionale Schärfentiefe zu haben. Die Schärfentiefe für unser Bild betrug vielleicht 3/4″ oder 1″. Das bedeutete, dass Ringo genau an der richtigen Stelle sein musste, sonst wären die Bilder unscharf. Ringo war lustig, bodenständig und sehr einfach zu arbeiten. Er hatte auch seine Freundin im Studio. Wenn alles bereit war, positionierten wir ihn präzise und konnten vielleicht einen oder zwei Aufnahmen machen, bevor seine Freundin auf ihn sprang und die beiden lachend umfielen. Es war süß und lustig für uns alle. Wir mussten ihn oft neu positionieren, um das Bild zu machen. Es hat alles geklappt.
  3. Aretha Franklin. Ähnlich wie die Glenn-Frey-Geschichte, ist dies eine Geschichte über Aretha, die persönliche Musik macht. Unsere Sitzung für Arethas Sweet Passion Albumcover war intim. Nur ein Assistent, Aretha und ich im Studio. Wundervolle Sitzung. Aretha war bereit, sich zu zeigen. Sie war ein wahrer Genuss. Als wir die Albumcover-Sitzung beendeten, gingen wir alle den Flur entlang zu meinem anderen Studio, wo wir ein Öffentlichkeitsbild mit Marvin Hamlisch und Carol Bayer Sager vorbereiteten, die einen Song für Arethas Album geschrieben hatten. Während wir dieses Bild vorbereiteten, driftete Aretha in eine Ecke des Studios, wo sie leise und nur für sich selbst zu singen begann. Ich kann Ihnen sagen, es war die tiefst persönliche, berührend schöne Musik, die ich je gehört habe. Ich bekomme immer noch Gänsehaut, wenn ich daran denke.

4. Hatten Sie als kommerzieller Fotograf die volle kreative Kontrolle über Ihre Arbeit oder gab es bestimmte Richtlinien, an die Sie sich halten mussten?

Jeder Auftrag war anders. Meistens konnte ich jedoch das Bild machen, das ich wollte. Manchmal gab es Input vom Künstler, Art Director oder Studio. Wenn ich fotografierte, war es nur ich und das Talent. Hier sind einige Beispiele, die von Interesse sein könnten:

  1. Tom Petty and the Heartbreakers‘ zweites Album „She’s Gonna Get It“. Ich kannte ihre Musik nicht, also ging ich am Wochenende vor dem Shooting zu ihrer Show in LA. Es gab eine sehr spezifische Atmosphäre in der Bühnenbeleuchtung, die mich inspirierte, diese Atmosphäre abstrakt darzustellen und in der Beleuchtung, die wir für die Coversession einrichteten, zu replizieren. Es ergab einfach perfekt Sinn. Sie kamen ins Studio. Höflich, bodenständig, bereit zu arbeiten. Wir stellten sie in das Beleuchtungssetup und machten einige Polaroid-Tests, die gut aussahen. Dann fotografierten wir das Cover in kurzer Zeit. Einfach, glatt, einfach. Die Jobs liefen nicht immer so reibungslos, aber dieser war ganz natürlich.
  2. Richard Pryor. Für das Filmplakat „Richard Pryor Live on Sunset Strip“ war die spezifische Idee des Filmstudios, dass Richard riesig auf dem Sunset Strip sein würde. Als wir uns zum Fotografieren bereit machten, sagte ich nur: „Richard, du bist ein Riese auf dem Sunset Strip.“ Das war’s. Ich sagte kein weiteres Wort (nicht mein üblicher Stil). Richard ging in eine Pantomime-Performance über, bei der er sich als Riese auf einer belebten Straße vorstellte, wo Autos vielleicht über seine Füße fahren könnten, kleine Leute auf seinen Schultern sitzen könnten und so weiter. Es war die erstaunlichste, kreativste Performance. Atemberaubend. Ich machte nur eine Filmrolle (auch nicht meine übliche Art, diese Arbeit zu machen), weil ich wusste, dass jeder Schuss perfekt sein würde. Und das waren sie.

5. Wie glauben Sie, dass Ihr juristischer Hintergrund Ihren Ansatz zur Fotografie und zum Geschichtenerzählen beeinflusst hat?

Ich wusste schon früh im Jurastudium, dass das Recht nicht der richtige Weg für mich war. Im zweiten Jahr entschied ich mich einfach für Fotografie, weil Bilder das Gegenteil von Worten sind und ich nicht mochte, wie unsere brillanten Lehrer an der University of Chicago Law School uns beibrachten, Worte zu verwenden. Ich hatte noch nie ein Bild gemacht und wusste nichts über Fotografie, aber ich wusste irgendwie, dass das der richtige Weg für mich war. Ich absolvierte das Studium, nahm aber nie das Examen ab. Ich ging zurück nach LA und bekam einen Job bei einer coolen Lokalzeitung als Schriftsteller, aber ich machte die Fotos für meine eigenen Geschichten und übernahm schließlich die Fotografie für alle drei dieser Kleinstadtzeitungen. Nach etwa einem Jahr verließ ich die Zeitung, klopfte an Türen in LA und bekam viele Ablehnungen, aber allmählich klappte es.

Ich bin mir nicht sicher, ob meine juristische Ausbildung meine Arbeit beeinflusst hat, außer dass ich immer mit Verträgen und Verhandlungen vertraut war. Es ist jedoch wahr, dass jede Ausbildung beeinflusst, wie wir denken und mit anderen umgehen.

6. In „Pictures of Time“ erforschen Sie das Konzept der Zeit durch Fotografie. Wie stellen Sie den Zeitverlauf visuell in Ihrer Arbeit dar?

Mein Ziel in „Pictures of Time“ ist es, Geschichten darüber zu erzählen, wie das Leben aufgebaut ist und wie das Leben funktioniert, indem ich Fotografien von Ähnlichkeiten und Verbindungen zwischen verschiedenen Lebewesen in der Alltagswelt mache. Die Fotografien – besonders die Seitenaufteilungen – geben einen Eindruck davon, wie Lebewesen durch Form, Funktion und Verhalten, die sich entwickelt haben müssen, verbunden sind. Während jede Doppelseite für sich als kleine Geschichte der Zeit steht, bestätigt das Erlebnis des gesamten Buches das Verständnis der Verbindungen zwischen Lebewesen.

Wissenschaftler sagen uns, dass alle Lebewesen aus überlappenden Elementen und Strukturen bestehen, angefangen von Quantenpartikeln bis hin zu Molekülen, Atomen, Zellen und so weiter. Mit diesem Wissen überrascht es mich nicht, dass verschiedene Lebewesen ähnliche Formen annehmen und ähnliche Energien und Verhaltensweisen zeigen.

7. Ihre Fotos fangen oft intime Momente und Verbindungen zwischen Menschen ein. Wie gehen Sie vor, um diese Momente einzufangen und dabei die Authentizität zu bewahren?

Im Gegensatz zu meiner kommerziellen Arbeit stelle ich die Menschen, die ich fotografiere, nie auf oder spreche nicht einmal mit ihnen. Hoffentlich wissen sie nicht einmal, dass sie fotografiert werden. In der Welt finde ich, dass die Menschen natürlich sie selbst sind. Bei Musikern und Schauspielern musste ich manchmal hart arbeiten, um die Menschen dazu zu bringen, sich so zu öffnen, wie es die Menschen in der Welt natürlich tun. Trotzdem gibt es viele Bilder von Menschen im Buch, die für mich gestellt wirken. Aber, Mann, ich könnte niemals Menschen so perfekt kleiden oder anleiten, sich so perfekt auszudrücken wie die Menschen in einigen der Bilder im Buch. Das ältere Paar auf der Rückseite, das den großen Baumstamm betrachtet, die zwei Jungs, die im Pariser U-Bahnhof perfekt synchron laufen, die älteren Frauen im Café mit den jüngeren Frauen außerhalb des Café-Fensters, alle in perfektem Ausdruck. Puh, keine Chance, dass ich diese Bilder mit annähernd der wahrheitsgetreuen Natürlichkeit dieser Fotografien replizieren könnte.

8. Können Sie Einblicke in den Prozess geben, wie Sie die Fotos für „Pictures of Time“ ausgewählt haben?

Das ist ein erstaunlicher und aufregender Prozess, der sich über Monate, sogar Jahre hinzieht. Ich verbringe viele Stunden damit, die Fotos zu studieren und von ihnen zu lernen. Zuerst gibt es die Bildauswahl. Einmal ausgewählt, studiere ich einfach die Bilder. Allmählich entstehen Verbindungen zwischen den Bildern. Schließlich beginnen die Bilder, eine Geschichte zu erzählen. So ungefähr läuft das ab.

9. Ihr Buch ist in Kapitel wie Form, Paarung, Reflexion, Rhythmus, Gemeinsam und Altern gegliedert. Wie haben Sie diese Kapitelüberschriften entschieden und was bedeuten sie?

Sobald die Geschichten in den Bildern zusammenkommen, scheinen sich die Bilder in verschiedene Geschichtsgruppen zu organisieren. Wenn das passiert, fällt es mir ziemlich leicht, jeder Gruppe einen beschreibenden Namen zu geben. In „Pictures of Time“ gab es viele Bilder, die sich mit anderen Kapiteln überlappen konnten. Besonders einige im Rhythmus- und Formkapitel.

10. Viele Ihrer Fotos zeigen natürliche Elemente wie Blumen und Bäume. Wie tragen diese Elemente zu den übergreifenden Themen Ihres Buches bei?

Im Laufe der Jahre des Fotografierens bin ich an einen Punkt gekommen, an dem ich keine Unterschiede zwischen verschiedenen Lebewesen sehe. Ich sehe nur Leben. Ich versuche, den einzigartigen Ausdruck des Lebens in jedem Lebewesen zu fotografieren. Jedes Lebewesen drückt seine Lebendigkeit einzigartig aus. Ich muss nur ein guter genug Fotograf sein, um nicht nur die Lebensqualität zu sehen, sondern auch ein Bild zu machen, das sie kommuniziert.

11. Ihre Karriere erstreckt sich über mehrere Jahrzehnte und umfasst eine Vielzahl von Themen. Wie hat sich Ihr Stil im Laufe der Jahre entwickelt?

Ich denke, Fotografie dreht sich hauptsächlich um das Sehen. Meine Erfahrung ist, dass das Sehen zuerst intern stattfindet, das heißt, man öffnet sich für tiefere Ebenen des Sehens, bevor man tiefer in die Welt sieht. Ich mag es zu denken, dass meine Bilder die Entwicklung meines Sehens widerspiegeln. Ich denke auch, dass meine Bilder im Laufe der Zeit einfacher geworden sind.

12. „Pictures of Time“ berührt philosophische und spirituelle Themen. Können Sie näher erläutern, wie sich diese Themen in Ihrer Fotografie manifestieren?

„Pictures of Time“ ist die Geschichte, wie ich das Leben sehe – wie das Leben aufgebaut ist, wie das Leben funktioniert. Es ist eine Geschichte darüber, dass wir alle verschiedene Versionen von Lebewesen sind und wie viel es in unserer erstaunlichen Alltagswelt zu sehen gibt. Auf subtextueller Ebene ist es eine Geschichte darüber, dass Fotografie das Medium ist, um diese Geschichte zu erzählen.

Fotografie zu nutzen, um zu zeigen, wie alle Lebewesen miteinander verbunden sind, ist für mich sehr aufregend. Philosophen, Dichter, Physiker und andere Wissenschaftler haben Worte und Mathematik verwendet, um verwandte Ideen auszudrücken. „Pictures of Time“ ist das erste, das die Geschichte der Ähnlichkeiten und Verbindungen zwischen Lebewesen in der Sprache der Fotografie erzählt.

13. Welche Rolle glauben Sie, spielt Nostalgie als Fotograf bei der Gestaltung unserer Wahrnehmung der Zeit?

Ich fühle mich bei dieser Arbeit nicht nostalgisch. In den klarsten Momenten, wenn ich Fotos mache, fühle ich mich eins mit dem ganzen Leben, mit dem Leben von Anfang an und dem Leben in die Zukunft. Es ist, als ob sich die Welt öffnet, als ob sich die Naht öffnet, als ob man hinter den Vorhang schaut… und ich verliere mich darin. Das sind oft die Momente, in denen die besten Bilder entstehen. Ich weiß, das klingt vielleicht wie spiritueller Blödsinn, aber es ist das, was ich erlebe, was ich seit der kommerziellen Arbeit an Plattencover- und Filmplakatfotografie erlebe.

14. Ihre Fotos zeigen oft gewöhnliche Szenen, die mit tieferer Bedeutung versehen sind. Wie identifizieren Sie diese Momente und was zieht Sie an, sie festzuhalten?

Das ist eine großartige Frage. Zu Beginn sehe ich keine Unterschiede zwischen Lebewesen. Ich sehe Ähnlichkeiten und Verbindungen. Das ist es, was mich begeistert. Das ist es, was mich dazu zieht, zu fotografieren. Viele der Dinge, die ich fotografiere, sind so gewöhnlich, dass die meisten Fotografen nicht daran denken würden, sie zu fotografieren. Doch für mich bieten die Dinge, die ich fotografiere, Einblicke ins Leben.

Am Anfang war die Arbeit eher explorativ: Dinge genau betrachten, sie visuell und mit meiner Kamera studieren. Im Laufe der Jahre habe ich ein Gespür dafür entwickelt, welche Qualitäten mich in jeder Situation ansprechen. Ich suche immer nach etwas, das das Leben einzigartig ausdrückt.

15. Was hoffen Sie, dass die Leser aus „Pictures of Time“ sowohl intellektuell als auch emotional mitnehmen?

Es wäre großartig, wenn die Leser die Welt nach dem Anschauen des Buches ein wenig anders sehen würden.

Ich glaube, dies ist das erste Mal, dass das eigentliche Thema eines Fotografen die Zeit ist. Das wahre Thema der Arbeit sind nicht die Menschen oder anderen Lebewesen in den Fotografien. Das Thema ist, was sie über das Leben enthüllen. Das Thema ist die Zeit. Im Laufe der Jahrzehnte, in denen ich in diese Arbeit hineingewachsen bin, habe ich begonnen, die Welt anders zu sehen. Dies ist eine erstaunliche Art, die Welt zu sehen. Und sie ist überall.

16. Wo können die Leser Ihr Buch kaufen, und haben Sie bevorstehende Veranstaltungen oder Ausstellungen, von denen sie wissen sollten?

Das Buch ist bei Amazon oder über meine Website picturesoftime.com erhältlich. Abgesehen von einer Buchsignierung in LA und einigen Medieninterviews sind derzeit keine weiteren Veranstaltungen oder Ausstellungen geplant.

Das Interview führte Marcus Liprecht im Juni 2024

Das Buch gibt es bei Amazon.com

Please read the english original version below:

Throughout his long career as a photographer, David Alexander has been at the center of pop culture. He shot album covers for artists such as The Eagles, Aretha Franklin, and Tom Petty and the Heartbreakers, and created iconic posters for films like „The Blues Brothers“ and „The Terminator.

But for his first photography book, the 80-year-old turned his lens to something much more ordinary. In this interview, David Alexander shares his extraordinary journey, the inspiring stories behind his most famous shots, and his latest discovery of the beauty in the everyday.

Here are David’s responses to our questions.

1. What inspired you to embark on the project that eventually became your debut book, Pictures of Time?

I photographed record album covers and movie posters in LA for over 20 years. In the course of doing that work, I began to see glimpses of deeper life truths that were beyond the boundaries of the commercial work. I knew then that my photography journey would go beyond the world of entertainment.

2. Your photographs have immortalized moments in music history. How does it feel to know that your work has become part of the cultural fabric?

That’s cool, but not something I think about very much, if at all. I always saw that work as jobs, problems to solve with photographs. When a job was finished, I hoped to be pleased with the result and, especially, with how the pictures were used, but my focus was always on the next idea, the next project. That’s not to minimize the cool work I was fortunate to do. I was just very focused on growing in my work, pushing ideas, experimenting with new lighting concepts, and trying to figure out something new, different, and appropriate for the next project.

3. Can you share some anecdotes or memorable experiences from yourtime working on album covers for artists like the Eagles, Ringo Starrand Aretha Franklin?

There are so many stories. Here are a few:

  1. The Eagles. We did a lot of work together. The complete Hotel California album cover was photographed in LA. We also made pictures for publicity and the Hotel California tour book in Florida where they were recording. At one of our sessions in LA, Glenn Frey walked into the studio looking very excited. He said he was at a club the night before and heard an older (jazz? blues?) pianist play a chord he had never heard before. He went to the piano in my studio and played this incredibly complex chord and said something like „Isn’t that cool?“ Yeah, seeing this rock and roll star so excited about music was beyond cool.

  1. Ringo Starr. To make a richly detailed close portrait for Ringo’s Ringo’s Rotogravure album cover, I used an 8×10 view camera, something I never used before or after. The film in the camera was 8″x10″. Huge. Especially when focusing close with an 8×10 camera, one has to pump in a tremendous amount of light to have any functional depth of field. The depth of field for our picture was maybe 3/4″ or 1″. That meant that Ringo had to be in exactly the right spot or the pictures would be out of focus. Ringo was fun, down to earth, and very easy to work with. He also had his girlfriend at the studio. When all was ready, we’d position him precisely and maybe get off a shot or two before his girlfriend would jump on him and the two would fall over laughing. It was sweet and funny for all of us. We just had to reposition him often to make the picture. It all worked.

  1. Aretha Franklin. Kind of like the Glenn Frey story, this is a story about Aretha making personal music. Our session for Aretha’s Sweet Passion album cover was intimate. Just one assistant, Aretha, and me in the studio. Wonderful session. Aretha was willing to reveal herself. She was such a pleasure. When we finished the album cover session, we all walked down the hall to my other studio where we were setting up a publicity picture with Marvin Hamlisch and Carol Bayer Sager who had written a song for Aretha’s album. While setting up that picture, Aretha drifted off to a corner of the studio where she began singing quietly and only to herself. I can tell you it was the most deeply personal, most touchingly beautiful music I ever heard. I still get goosebumps thinking about it.

4. As a commercial photographer, did you have full creative controlover your work, or were there specific guidelines you had to adhere to?

Every job was different. For the most part, though, I was able to make the picture I wanted. Sometimes there was input from the artist, or art director, or the studio. When I was shooting, it was just me and the talent. Here are some examples that might be of interest:

  1. Tom Petty and the Heartbreakers‘ second album, She’s Gonna Get It. I didn’t know their music, so I went to their show in LA the weekend before the shoot. There was a very specific feel to the stage lighting that inspired me to abstract and replicate that feel in the lighting we set up for the cover session. It just made perfect sense. They came into the studio. Polite, down to earth, ready to work. We plugged them into the lighting setup and shot some polaroid tests which looked good. Then we photographed the cover in a short time. Simple, smooth, easy. The jobs didn’t always go that smoothly but that one was a natural.

  1. Richard Pryor. For the movie poster Richard Pryor Live on Sunset Strip, the specific idea from the movie studio was that Richard would be giant on Sunset Strip. When we were getting ready to shoot, all I said was „Richard, you’re a giant on Sunset Strip.“ That was it. I never said another word (not my usual style). Richard went into a pantomime performance of himself as a giant on a busy street where cars might run over his feet, little people might be on his shoulders, and so on. It was the most amazing, creative performance. Breathtaking. I shot only one roll of film (also not my usual way of doing that work) because I knew that every shot would be perfect. And they were.

5. How do you believe your background in law has influenced your approach to photography and storytelling?

I knew early on in law school that law wasn’t the right path for me. In the second year, I just decided to do photography because pictures are the opposite of words and I didn’t like the way our brilliant teachers at the University of Chicago Law School were teaching us to use words. I had never taken a picture and knew nothing about photography but knew somehow that that was the right direction for me. I graduated but never took the bar. Went home to LA, and got a job at a cool local newspaper as a writer but I made the photographs for my own stories, eventually taking over the photography for all three of these small-town newspapers. Left the newspaper after about a year, started knocking on doors in LA, and got lots of rejections but gradually things worked out.

I’m not sure my legal education influenced my work other than I was always comfortable with contracts and negotiating agreements. It is true, however, that any education affects how we think and relate to others.

6. In Pictures of Time, you explore the concept of time through photography. How do you visually represent the passage of time in your work?

My goal in Pictures of Time is to tell stories about how life is put together and how life works by making photographs of the similarities and connections among different living things in the everyday world. The photographs – especially the page spreads – give a sense of how living things are connected by shape, function, and behavior that must have evolved. While each page spread stands on its own as a little story of time, the experience of the whole book confirms the understanding of connections among living things.

Scientists tell us that all living things are made up of overlapping elements and structures, starting with quantum particles on up through molecules, atoms, cells, and so on. With this in mind, it’s no surprise to me that different living things would take on similar shapes and exhibit similar energies and behaviors.

7. Your photographs often capture intimate moments and connectionsbetween people. How do you approach capturing these moments whilemaintaining authenticity?

Unlike my commercial work, I never pose or even speak with the people I photograph. Hopefully, they don’t even know they’re being photographed. In the world, I find that people are naturally themselves. With musicians and actors, sometimes I had to work hard to get people to open up to reveal themselves the way people in the world naturally do. Still, there are many pictures of people in the book that feel set up to me. But, man, I could never cast or direct people to dress as perfectly and express themselves as perfectly as the people in some of the pictures in the book.

The older couple on the back cover looking at the large tree trunk, the two guys walking in perfect sync in the Paris Metro station, the older women in the cafe with the younger women outside the cafe window, all in perfect expression. Whew, no chance I could replicate these images with nearly the truthful naturalness of these photographs.

8. Could you share some insights into the process of selecting thephotographs included in Pictures of Time?

That’s an amazing and exciting process that takes place over months, even years. I spend many hours studying – learning from – the photographs. First, there’s the picture edit. Once edited, I just study the pictures. Gradually, connections between the images emerge. Eventually, the images begin to tell a story. That’s pretty much how it goes.

9. Your book is organized into chapters such as Shape, Pairing,Reflection, Rhythm, Together, and Aging. How did you decide on thesechapter headings, and what do they signify?

Once the stories in the pictures start to come together, the pictures seem to organize themselves into different story groupings. When that happens, putting a descriptive name to each grouping comes pretty easily. In Pictures of Time, there were many pictures that could have overlapped with other chapters. Some in the Rhythm and Shape chapters, particularly.

10. Many of your photographs feature natural elements such as flowersand trees. How do these elements contribute to the overarching themes ofyour book?

Over the years of taking photographs, I have come to a place where I don’t see differences among various living things. I only see life. I try to photograph the unique expression of life in every living thing. Every living thing uniquely expresses its life-ness. I just have to be a good enough photographer to not only see the life quality but to make a picture that communicates it.

11. Your career spans several decades and encompasses a wide range ofsubjects. How has your style evolved over the years?

I think of photography as primarily about seeing. My experience is that seeing first takes place internally, meaning you open up to deeper levels of seeing before you see more deeply into the world. I like to think that my pictures reflect the evolution of my seeing. I also think my pictures have become simpler over time.

12. Pictures of Time touches on philosophical and spiritual themes.,Can you elaborate on how these themes manifest in your photography?

Pictures of Time is the story of how I see life – how life is put together, how life works. It’s a story about how we’re all different versions of living things and about how much there is to be seen in our amazing everyday world. On a subtextual level, it’s a story about photography being the medium to tell that story.

Using photography to show how all living things are connected is very exciting to me. Philosophers, poets, physicists, and other scientists have used words and math to express related ideas. Pictures of Time is the first to tell the story of similarities and connections among living things in the language of photography.

13. As a photographer, what role do you believe nostalgia plays inshaping our perception of time?

I don’t feel nostalgic when doing this work. In the clearest moments when making photographs, I feel at one with all of life, with life from the beginning and life into the future. It’s like the world opens up, like the seam opens up, like seeing behind the curtain… and I get lost in it.

Those are often the moments when the best pictures get made. I know this may sound like woo-woo bs but it’s what I experience, what I have been experiencing since doing the commercial work of photographing record album covers and movie posters.

*14. Your photographs often depict ordinary scenes imbued with deepermeaning. How do you identify these moments, and what draws you to capture them? *

This is a great question. To begin, I don’t see differences among living things. I see similarities and connections. That’s what excites me. That’s what I’m drawn to photograph. Many of the things I photograph are so ordinary, that most photographers wouldn’t think of photographing them. Yet, to me, the things I photograph provide insights into life.

At the beginning, the work was more exploratory: looking at things closely, studying them visually and with my camera. Over the years, I’ve developed a sense of what qualities speak to me in any situation. I’m always looking for something that uniquely expresses life.

15. What do you hope readers will take away from Pictures of Time,both intellectually and emotionally?

It would be great if readers saw the world a little differently after
looking at the book.

I believe this is the first time a photographer’s actual subject is time. The true subject of the work is not the people or other living things in the photographs. The subject is what they reveal about life. The subject is time. In growing into this work over the decades, I’ve come to see the world differently. This is an amazing way to see the world. And it’s everywhere.

16. Finally, where can readers purchase your book, and do you haveany upcoming events or exhibitions they should know about?

The book is available on Amazon or via my picturesoftime.com website. Other than a book signing in LA and some media interviews, there are no other events or exhibitions currently planned.

Find the book at Amazon.com

Interview from Marcus Liprecht

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